Le jour où les peintres ont cessé de faire les ombres en noir

Pendant des siècles, on a peint une ombre en assombrissant la couleur : du brun, du noir, de la terre ajoutés au ton de la chair. Puis les peintres sortis travailler dehors, Delacroix d’abord, les impressionnistes ensuite, ont constaté une chose que l’atelier cachait : une ombre n’est pas une zone éteinte, c’est une zone qui reçoit une autre lumière, celle du ciel, bleue. L’ombre a donc sa couleur propre, souvent complémentaire de celle qui l’éclaire. Cette aquarelle applique le principe sans détour : les ombres du corps ne sont pas des roses foncés, ce sont des gris-bleu tirant sur le violet, posés en lavis franc contre les roses chauds. C’est ce contraste, et lui seul, qui fait tourner les volumes, aucun trait ne vient délimiter la silhouette. Le même ton, étendu derrière le modèle, tient lieu de fond et détache la figure.

Le dessin que l’on n’efface pas

Sous la couleur, le graphite affleure : la ligne du profil, l’arc de l’épaule, le tracé rapide des doigts en appui sur le sol. Beaucoup d’aquarellistes gomment ce dessin préparatoire une fois la peinture sèche. Ici, il est assumé et fait partie de l’image, c’est la trace du premier regard, celui qui a cadré la pose avant que la couleur n’arrive. Cette cohabitation du trait et du lavis est caractéristique du travail de Sylvain Fauconnier : elle conserve la nervosité du croquis dans une œuvre aboutie.

Une attitude que personne n’a composée

Ce qui donne son naturel à cette feuille, c’est que la pose n’en est pas vraiment une. Le modèle s’est assis, s’est appuyé sur une main, a baissé le regard, une attitude de repos entre deux poses, plutôt qu’une figure construite pour être vue. Ces moments-là sont plus difficiles à saisir qu’une pose académique, parce qu’ils ne durent pas et que rien n’y est stabilisé. C’est précisément ce que Sylvain Fauconnier cherche : non pas la performance anatomique, mais la présence.

Un petit format signé et daté

L’œuvre porte le prénom du modèle, la date de la séance et la signature de l’artiste, inscrits à la main. Elle est vendue sous verre acrylique, plus léger que le verre et incassable, dans un cadre noir veiné bois dont le filet reprend la précision du trait. Son format horizontal et sa taille contenue en font une œuvre d’art originale accessible, qui trouve sa place sur un mur de bureau, dans un couloir ou en accrochage groupé.

Prendre soin de l’œuvre

• Les pigments de l’aquarelle craignent la lumière directe : installez l’œuvre à l’écart d’une fenêtre exposée.
• Tenez-la éloignée de l’humidité et des sources de chaleur.
• Le verre acrylique se raye plus facilement que le verre : dépoussiérez-le avec un chiffon microfibre propre, à peine humide, sans frotter et sans produit, surtout pas d’alcool ni d’ammoniaque, qui le voileraient.