Un corps qui donne à la lumière de quoi rouler

Suivez la ligne médiane du corps : le creux sous le sternum, la courbe pleine du ventre, le nombril, le pli de l’aine. Ce sont des transitions douces, larges, sans arête. C’est précisément ce qu’un dessinateur cherche dans un corps ample — non pas un modèle plus difficile, mais un modèle plus généreux en informations. Là où une silhouette mince donne de l’os et de l’angle, celle-ci donne des pentes, et la lumière met du temps à les descendre avant de se rompre. Ce n’est pas un hasard si les peintres de la chair, Rubens le premier, ont préféré ces corps-là : ce sont eux qui rendent la lumière visible. Ici, le lavis vient se poser dans chaque creux et le blanc réservé court sur chaque crête.

Un cadrage au plus près

Le corps est coupé à mi-cuisse et les bras sortent par le haut. Rien n’est perdu pour autant : en serrant ainsi, l’artiste supprime tout ce qui n’est pas le corps — pas de sol, pas de décor, pas même l’espace qui laisserait respirer autour. Le regard n’a nulle part où aller. C’est un parti pris fréquent dans le dessin d’après modèle, où l’on travaille souvent au plus près pour tenir dans le temps de la pose, et il concentre l’attention là où le corps tourne et respire.

Un seul pigment, toute une gamme

Peindre en camaïeu impose une contrainte que Sylvain Fauconnier a choisie : une seule couleur, et rien pour tricher. Toute la profondeur de l’image repose sur la dilution. Un lavis très étendu d’eau donne les beiges les plus pâles du fond ; la même terre de Sienne, reprise plus concentrée, creuse les ombres sous les bras, le long des cuisses, dans le creux du dos. En aquarelle, on ne peut pas éclaircir après coup — chaque valeur doit être anticipée et posée dans le bon ordre, du plus clair au plus foncé. Ce qui semble immédiat est en réalité entièrement prémédité.

Le blanc que l’on ne peint pas

Le liseré lumineux qui cerne le corps est la clé technique de l’œuvre. En aquarelle, le blanc n’existe pas comme couleur : c’est le papier laissé nu. L’artiste a donc peint tout autour de la silhouette en épargnant cette frange, pendant que le lavis est encore humide et qu’il faut aller vite. Ce fin passage de papier vierge sépare la figure de son fond et produit l’effet de contre-jour qui donne son nom à la pièce.

Une pièce unique, prête à accrocher

Contre-jour est signée et annotée à la main. Elle est vendue encadrée sous verre, dans un cadre en médium blanc mat dont le passe-partout à filet mordoré reprend la chaleur des ocres. Le format vertical et la douceur du camaïeu en font une œuvre facile à installer, dans une chambre comme dans une pièce de vie.

Prendre soin de l’œuvre

• L’aquarelle est sensible à la lumière : installez-la à l’écart d’une exposition directe au soleil, qui ferait pâlir les pigments avec le temps.
• Tenez-la éloignée de l’humidité et des sources de chaleur.
• Dépoussiérez le cadre au chiffon doux et sec, sans produit ni projection de liquide sur le verre.